音楽三面記事

それは1984年2月28日の出来事だった。 全米の音楽業界団体National Academy of Recording Arts & Sciencesが毎年開催する一大イベントGrammy Awards（第26回グラミー賞）において、マイケル・ジャクソンが8部門受賞という記録を打ち立てたのだ。 最優秀レコード 最優秀アルバム 最優秀男性ポップ歌手 最優秀男性ロック歌手 最優秀男性R&B歌手 最優秀R&Bソング 最優秀児童向けレコード 最優秀プロデューサー（※受賞はクインシー・ジョーンズ個人） 一人のアーティストが一つの作品で、このような形で最優秀賞を独占するのはグラミー史上初のことだった。 「子供の無邪気さは想像力の種だ。子供はいろいろな事を我々に教えてくれる。」 この日、トロフィーを受け取ったマイケルが語った言葉は、彼の人柄のすべてをあらわしていた。 プロデューサーにクインシー・ジョーンズ、そしてポール・マッカートニーやエディ・ヴァン・ヘイレンなどの豪華ゲストを迎えた彼のアルバム『Thriller（スリラー）』は、タイトルナンバー「スリラー」、そして「今夜はビート・イット」「ビリー・ジーン」など7曲のトップ10ヒットを叩き出し、全世界で5,100万枚以上という驚異的な売り上げを記録した。 “ポップス史上最も売れたアルバム”として金字塔を打ち立てたこの作品は（売上枚数に関しては諸説あるものの）2012年のギネス世界記録において6,500万枚の売り上げ認定を受けており、現在も売上枚数を増やし続けているという。 また、大きな反響を生んだ「スリラー」のミュージックビデオに使われた予算は1億円を超えていたというから驚きだ。 当時、1本のミュージックビデオの製作にかけられる予算は1千万前後だったので…破格の値段である。 その13分34秒にも及ぶホラー映画風のショートフィルムでは、特殊メイクを施したマイケル扮する狼男や“ゾンビダンス”が話題となった。 カメラをズームインしながらトラックバックするという、ヒッチコック監督の映画『めまい』で使われた撮影方法が用いられており、「スリラー」は映像作品としても当時のMTVシーンに多大な影響を与えた。 また、このミュージックビデオのナレーションには、往年のホラー映画俳優であるヴィンセント・プライスが抜擢されている。 プライスの起用は..

午前零時、ラジオのスイッチを合わせる。ジェット機の離陸音と航空無線の交信が聞こえてくる。すると“ジェットストリーム……”というアナウンス。フランク・プゥルセル楽団の「ミスター・ロンリー」が始まると、“遠い地平線が消えて……”と印象的なナレーションが綴られていく。夜間飛行へと誘うパイロットの声は城達也。 番組で流れるのはイージーリスニングと呼ばれるインストゥルメンタルのムード音楽。数曲耳を傾けていると、今度は世界中の街や情景を描写した詩が綴られる。そして再び音楽に戻っていく。エンディングのナレーションが流れる頃、時刻は深夜1時前を指している。「夢幻飛行」とともに、聴き手は暗闇とゆっくり溶け込むように眠りに落ちる。今夜も夢の中で旅人となりながら……。 城達也さんが“機長”を務め、堀内茂男さんが台本を書いていた頃の『JET STREAM』が好きだった。そこにはロマン、ダンディズム、イマジネーションの世界がどこまでも広がっていた。あの声や言葉があったからこそ、唯一無二の存在になった。ベッドの中でも車の中でも一日の終わりをそっと実感した。たまたま耳にした時ほど、そう思った。耳障りで無駄なフリートークが一切なく、話し手や書き手の顔もよぎらない『JET STREAM』は、どこまでも心地良かった。 ──始まり。それは日本が高度成長期の真っ只中。海外旅行の自由化が起こり、AMラジオの深夜放送が大ブームとなる1960年代後半。当時の日本航空の宣伝課長・伊藤恒氏は、シカゴ駐在員だった頃に愛聴していたアメリカン航空提供のFM番組『Music ‘til Dawn』(1953〜70)のように、日本航空でも海外旅行を促進するような同様の番組を作れないかと考えていた。 奇しくも同じ頃。日本初の民放FM放送局であるFM東海(東海大学のFM実用化試験放送局)の当時の営業部長・後藤亘氏(現エフエム東京・名誉相談役)は、「日本人が世界に旅立ちたいという想いを幾多の人に伝える、イメージの世界で旅のできる番組を作りたい」と企画に取り組んでいた。日本航空に持ち掛けると、両者の想いは合致。 番組タイトルが『ムーン・ライト・ハーモニー』から『JET STREAM』に正式に決まると、パーソナリティ選びに半年間を掛けた。この男の声しかない。抜擢されたのは洋画の吹き替えなどで活躍していた声優、35歳の城達也。そして196..

★ダウンロード/ストリーミング時代の色彩別アルバムガイド 「TAP the COLOR」連載第25回 アルバムアートの中には、有名な画家や写真家が手掛けたものも珍しくはない。当時30センチ四方のレコードジャケットというサイズ感が、彼らの作品発表欲を満たすキャンバスであった点も見逃せない。 現代アートの偉大なる伝説として、今もあらゆるカルチャーに影響を及ぼすアンディ・ウォーホル(1928-1987/享年58)も例外ではなかった。商業絵画のウォーホルと大量生産されるレコード。むしろこんなにも相性の良い関係はなかった。 そんなアンディ・ウォーホルの活動は、大きく3つの時代に分けられるのが定説。 まずはファッション雑誌や新聞や広告類を舞台とした50年代の「商業デザイン時代」──。 ブロッテド・ライン(しみつきの線)と呼ばれるイラストやドローイングによって、十分な成功を収めた。この頃はブルーノートなどのジャズレーベルのレコードジャケットも手掛けている。 ケニー・バレル『Blue Lights』(1958) iTunes 次にポップアートや実験映画などでその名を美術史に永遠に刻んだ60年代の「ファインアート時代」──。 ニューヨークの「ファクトリー」と呼ばれた自身のスタジオで、シルクスクリーンによる名作が次々と生産された頃。有名人、死、企業製品などをモチーフにしたアート作品だけでなく、アンダーグラウンドの帝王としてパーティや音楽興行まですべてを創作素材にしていた。ウォーホルの黄金期と言われている。 この有名なジャケットもこの頃の産物。バンド名のクレジットはなく、ウォーホルの名だけが。バナナの皮はめくりたくなる心理。インパクトは計り知れない。 ヴェルヴェット・アンダーグラウンド『The Velvet Underground & Nico』(1967) iTunes Amazon また、ローリング・ストーンズの自前レーベル第1弾も、ウォーホルが手掛けたことで有名。本物のジッパーが付いていれば、こちらも下ろしたくなるだろう。 ローリング・ストーンズ『Sticky Fingers』(1971) iTunes Amazon そして70年代以降の社交家としての「ビジネスアート時代」──。 中でも制作費を定額にした注文肖像画と雑誌『インタビュー』の発行は特筆すべ..

1976年2月15日から3月28日までの7週間 、日曜日の19時30分～21時までという当時のゴールデン・タイムを使って、『サンデースペシャル・セブンスターショー』と題した音楽番組がTBS系列でオンエアされた。 当時はNHKの大河ドラマが絶大な人気を誇っていたが、その年の1月4日から加藤剛と吉永小百合が主演する『風と雲と虹と』は、初回から30,1％という高視聴率で始まっていた。 そこにTBSがぶつけたのが90分の単発番組で、全7回の音楽スペシャル企画であった。 企画とプロデュースを手がけた久世光彦はテレビドラマの世界では、堺正章や樹木希林によるスラプスティックなギャグを使った演出で、斬新で型破りな『時間ですよ』が高視聴率をあげて鬼才と謳われていた人物だ。 TBSのドラマ班で演出家とプロデューサーを兼ねていた久世は、1971年から始めたTBSの水曜劇場で始めた連続ドラマの『時間ですよ』が、平均視聴率29,5％、最高36,2％という数字を上げて、1973年の第3期まで続く人気ヒット・シリーズに成長させていく。 さらには1974年から始まった向田邦子脚本による『寺内貫太郎一家』も、小林亜星と西城秀樹による派手な親子喧嘩のシーンと、「お茶の間スラップスティック」と呼ばれたギャグが話題になり、1975年にも続編の『寺内貫太郎一家2』が作られる人気シリーズになった。 き 久世の演出とプロデュースによるドラマの大きな特徴は、物語にどう関わるのかがよくわからない〝おかしな歌″が劇中歌として流れたり、随所にユニークな挿入歌などが使われたことであった。 しかも、それらのなかから大きなヒット曲が次々に生まれてきたのだった。 浅田美代子の「赤い風船」、天地真理の「水色の恋」、さくらと一郎の「昭和枯れすすき」、郷ひろみと樹木希林の「お化けのロック」「林檎殺人事件」などが記憶に残る印象的なヒット曲になった。 そして1975年には阿久悠の原作で制作した『悪魔のようなあいつ』の主題歌で、主演した沢田研二が歌った正攻法の「時の過ぎゆくままに」が大ヒットした。 久世は歌が好きで、ほんとうに歌謡曲を愛していた。 そこで当時のヒット商品だった日本専売公社のセブンスターにひっかけて、発売元の1社提供によるスペシャル音楽番組を企画した。 今でも大概はそうなのだが、テレビにおける歌番組には司会進行役がいて、..

スパイク・リー監督による『マルコムＸ』（Malcolm X/1992）は、1960年代の黒人解放運動の指導者/革命家として余りにも有名な男の生涯を描いた3時間21分のドラマ。マルコムを演じるのはデンゼル・ワシントン(上の写真は本物のマルコム)。 「初めてマルコムＸの自伝を読んだ中学生の時から、いつかきっと映画化したいと考え続けていた」 原作となったのは、暗殺される2年前から執筆され始めたという『マルコムＸ自伝』(『ルーツ』で知られるアレックス・ヘイリーとマルコムＸの共著)。ヘイリーは映画の完成を楽しみにしていたそうだが、残念ながら公開前に他界した。 この『マルコムＸ自伝』は出版されて以降、様々な映画人が企画に挑戦するものの一向に実現には至らず。そのうちハリウッドでは「映画化されない最も重要な作品」とまで言われるようになった。 そんな中、カナダの監督が決定寸前まで事が運んでいたらしいが、自分しかしないと確信していたスパイクが「白人監督にマルコムの複雑な人生を正当に描けるはずがない」と主張して映画化権を奪取。彼にとってはそれくらいかけがえのない英雄だったし、何よりもお決まりの黒人像を描かれてはたまらなかったのだろう。 新聞や雑誌の記事、スピーチ、テレビ映像から、家族や友人、活動仲間へのインタビュー、FBI記録まで丹念に調べ上げ、自らのギャラまで制作費につぎ込む情熱ぶり。一方で“Ｘ”のロゴが入ったグッズを販売して「宣伝に利用している」「中流育ちの黒人」と批判を受けたりもした。だがそんなことでスパイクは負けなかった。 予算オーバーで資金難に陥り、頼みのワーナー・ブラザーズ社から「余分なカネは一切出さない」と宣告された時は、「白人監督にならどんどんカネを出すくせに」と思ったらしいが、ビル・コスビー、オプラ・ウィンフリー、マジック・ジョンソン、マイケル・ジョーダン、プリンス、トレイシー・チャップマンらが援助金を出してくれたおかげで、危機を乗り越えることができた(エンドクレジットで彼らが登場する)。 マルコムＸを語る時、必ず同時代の公民権運動(人種差別撤廃運動 )を先導したキング牧師が引き合いに出される。しかし、この二人の考え方は対照的だった。「白人社会との統合」を目指すキング牧師に対し、イライジャ・ムハンマドを始祖とするネイション・オブ・イスラム(以下NOI)に傾倒していたマル..

2月14日はSt. Valentine’s dayです♪ 今日はバレンタインデーにちなんで「My Funny Valentine」をご紹介します。 我が国では“チョコレートの日”のような定例行事になっていますが…もともと聖バレンタインデーと云えば、キリスト教の聖職者の死を悼む宗教的行事だったことをお忘れなく。 由来や起源については【日本チョコレート・ココア協会】のページをご覧下さい。 ■St. Valentine’s dayの起こり http://www.chocolate-cocoa.com/dictionary/history/valentine/v01.html ■日本のバレンタインデー http://www.chocolate-cocoa.com/dictionary/history/valentine/v02.html 私のお茶目な恋人ヴァレンタイン 優しくて可笑しな恋人ヴァレンタイン 容姿はギリシャ彫刻とは程遠いし 口元はちょっと締まりがないし 口を開けばとても知的とは言えないけれど でもね、お願い… 私のために髪型を変えたりしないで この曲は、1937年にブロードウェイ上演されたミュージカル『Babes in Arms』の劇中歌として作られた。 劇中では元子役スターとして活躍していた女優ミッチ・グリーンが演じる女性が、冴えないボーイフレンドのバレンタイン（通称バル）の欠点を散々からかいいながらも、最後には「恋人よ、ずっとそのままでいて」「ありのままの貴方でいて欲しい」と歌う。 それは、バレンタインという男性の名前とSt. Valentine’s dayをかけて書かれた歌詞だった。 ちなみに“Valentine”という単語には“恋人、特別な人”という意味もあるという。 作曲はミュージカル作品の金字塔「サウンド・オブ・ミュージック」を作ったリチャード・ロジャース、作詞はローレンツ・ハートのというアメリカのエンターテイメント界に多大な功績を残したゴールデンコンビだ。 後にマイルス・デイヴィスやチェット・ベイカー等のジャズマンたちが次々とレコーディングし、ジャズのスタンダードナンバーとなった。 現在に至まで、なんと！600人を超えるアーティストが歌い、収録されたアルバム数は現在1300を超えているという。 ところで、ビリー・ジョエルが1978年に発表し..

忌野清志郎の生前最後のオリジナル・アルバムとなった『夢助』は、2006年5月22日から6月12日にかけて、アメリカのナッシュビルのスタジオでレコーディングされた。 そして、そのレコーディングの模様を密着取材したドキュメンタリー番組『This Time』も制作され、2006年の秋にテレビで放映された。 『夢助』のプロデューサーは、スティーブ・クロッパー。忌野清志郎が敬愛するオーティス・レディングと活動を共にしたBooker T. & The MG’sのギタリストだ。 1992年のソロ・アルバム『Memphis』で務めて以来、2度目とプロデュースとなる。 アルバム全編に渡って、スティーブ・クロッパーらしいR＆Bサウンドとなっている。 “RCサクセションが聴こえる”という歌詞が印象的な「激しい雨」は、盟友CHABOこと仲井戸麗市との共作だ。この歌詞は、ニール・ヤングが自身のソロ・アルバムで「バッファロー・スプリングフィールド・アゲイン」という曲を歌っているのを聴いたことから生まれたアイデアだ、とCHABOは番組で語っていた。 ニール・ヤングが今、いろんな遍歴があった自分のバンドを、ああいう形で歌ったっていうのは、なんかすごく俺にとっても良い感じで響いて、俺と清志郎だったらRCだ、そのことを歌う一行ってどうだ？っていう発想。（中略）ラジオでかけてくれた時に、「RCサクセションが鳴ってる」っていう歌詞が、あの、一発で清志郎とわかる声で聞こえて来たら、面白えんじゃないかって。 「激しい雨」 「This Time」は、スティーブ・クロッパーが清志郎のために作詞作曲した歌だ。英語で書かれていた歌詞を清志郎が日本語に訳して歌ったその内容は、まさにその時の、レコーディングのためにはるばる日本からやって来た清志郎について書かれているようだ。 今こそ　行くべき場所がわかったんだ 音楽に導かれて　行き着くのさ そして清志郎が付け足したというサビの部分は、クロッパーの詞を受けて彼本人の正直な思いが綴られているように感じられ、とてもストレートなメッセージが、聴く者に勇気を与えてくれる。 ずっと夢に見ていた　こんな日が来る事を 君は夢を持っているかい　きっと叶えられるさ クロッパーが作曲した印象的な歌がもう一曲、アルバムに収録されている。 「オーティスが教えてくれた」は、まさにオーティス..

作家の村上春樹は著書『ポートレイト・イン・ジャズ』（新潮文庫）の中で、セロニアス・モンクについてこんな風に綴っている。 彼の音楽はたとえて言うならば、どこかから予告もなく現れて、なにかものすごいものをテーブルの上にひょいと置いて、そのまま何も言わずに消えてしまう“謎の男”みたいだった。モンクを主体的に体験することは、ひとつのミステリーを受け入れることだった。 彼の晩年は、そのほとんどが謎に包まれている。 1971年、54歳の時にロンドンで録音を行ったのを最後に、彼は二度とレコーディングをしなかった。 1975年のニューポート・ジャズ祭、1976年のカーネギーホール・コンサート出演を最後に彼は隠遁生活に入る。 以降ほとんどの時間を、大富豪パノニカ・ドゥ・コーニグズウォーターという女性（通称ニカ）の家で妻のネリーと過ごすようになる。 ニカと云えば、1955年にチャーリー・パーカーの最期を看取ったことでも知られているジャズシーンでは有名な庇護者（パトロン）である。 彼は、以前から患っていた双極性障害（躁鬱病）の症状はしだいに悪化してゆき…最晩年は誰とも話しをしなくなってしまったという。 そして1982年2月17日、脳梗塞によって彼はこの世を去る。享年64。 妻ネリーと過ごした隠遁生活の中で、彼がいったいどんなことを考えていたのか？何らかの形で音を奏でていたのか？それはまったくの謎とされている。 遺体はニューヨーク州ハーツデールのファーンクリフ墓地に埋葬された。 ジャズ史を語る上で外すことのできない男、セロニアス・モンク。 奇矯な言動やファッションで人を惑わし、深い精神の病を患っていた男だったが、何より独創的だったのは、他ならぬそのピアノ演奏だった。 1940〜1960年代まで黄金期を迎えた“モダン・ジャズの時代”において、独特のタイム感とコード感、そして休符の目立つ旋律などで、新風を巻き起こした人物である。 まだ20代前半だった彼は、1940年代初頭に成立したジャズの演奏スタイル“ビ・バップ”の聖地であったライブハウス『ミントンズ・プレイハウス』のピアニストに雇われ、ディジー・ガレスピー、チャーリー・パーカーらと共演するようになる。 若い頃から多くのミュージシャンから崇拝されていたが、その高い音楽性が世界に知られることとなったのは、彼が30代後半（1950年代）に..

“ブルーハーツのような青い衝動にイースタンユースばりのエッジの効いたサウンド”という例えは、いささか強引に過ぎるかもしれないが、初めてリーガルリリーの音楽を聴いた筆者の印象は、まさにこんな衝撃だった。 2014年に高校生だった、ヴォーカル＆ギターのたかはしほのかと、ドラムスのゆきやまが出会って結成されたリーガルリリー。さらにベースの白石はるかが加入し、ガールズ・スリーピース・バンドとして、2016年に1stミニ・アルバム『The Post』をインディーズ・レーベルよりリリースする。 当時まだ10代のヒリヒリするような思春期の、壊れそうな儚さと同時に鋭く切り裂くような破壊性を持った歌詞が、迫力ある轟音サウンドに乗せて歌われる。 中でも「リッケンバッカー」は、鮮烈な歌詞が印象的で今でもファンに強く愛される１曲だ。 リッケンバッカーが歌う リッケンバッカーが響く リッケンバッカーも泣く おんがくよ、人を生かせ 「リッケンバッカー」（2016） 翌2017年に2ndミニ・アルバム『The Radio』、2018年には3rdミニ・アルバム『The Telephone』をリリース。しかし2017年には白石はるかが脱退し一時二人体制となるが、2018年のアルバムリリース後にベースの海が加入し、再びスリー・ピース・バンドとなる。 2019年にはアメリカで開催された「SXSW 2019」に出演、中国やアジアでもライブ・コンサートを開催するなど、海外にも活動の幅を広げている。 そして、バンド結成6年目となる2020年2月5日に、満を持してのフル・アルバム『bedtime story』をリリースした。 全ての曲のソングライティングを手がけるたかはしほのかは、ニルヴァーナなどのグランジ・ロックや、オルタナティヴ、プログレッシブ、ポスト・ロックなどからの影響が大きく、また、パワードラムが印象的なゆきやまは、レッド・ツェッペリンのジョン・ボーナムに強い衝撃を受けたという。 また、たかはしが紡ぎ出す言葉は時に抽象的でありながら、心を突き刺すようなストレートな鋭さも併せ持つ。歌詞をどのように作り出すのかについて、Rolling Stone Japan のインタビューで語っている。 考えながら組み立てていくのではなくて、自分の心の一番上にある感情をそのまま貼り付けていくというか。最初に絵を思..

1991年に刊行された『ジェネレーションX〜加速された文化のための物語たち』は、1961年生まれのカナダ人作家ダグラス・クープランドによる小説で、欧米のポップカルチャーで話題となって日本でも翌年に翻訳されたので、手に取った人もいると思う。 「ジェネレーションX」とは1961年〜1981年生まれの世代を定義しているが、クープランドの著書は60年代生まれのポスト・ベビー・ブーマーたちを描いた青春ロードノベルだった。 アメリカと日本の社会背景や出来事は多少違うので世代意識は完全に一致しないが、日本ではバブル期に青春を送った60年代半ば〜後半生まれの「新人類」や、崩壊後に就職難と直面した70年代前半〜半ば生まれの「団塊ジュニア」あたりを「ジェネレーションX」と呼ぶ傾向があった。 少し前に活躍したニュー・ロスト・ジェネレーション世代の作家(ブレット・イーストン・エリスやジェイ・マキナニーなど)がスタイリッシュな消費/享楽文化の中で無気力・無関心・無感動のように生きる若者たちを描いていたのに対し、クープランドは孤独と不安と喪失感の中にありながらも、既存のシステム社会から抜け出して新しい価値を求めようとする若者たちに光をあてようとした。 そういう意味で日本で「ジェネレーションX」を再定義するなら、「90年代に青春期を送った世代」と言い換えていいのかもしれない。 今の若者は、たかがBMWを買うために週80時間も働いたりしません。60年代に反体制やカルチャー革命を謳った人々は今や無心に毎朝ジョギングする始末。では、現在の私たちはどう生きるべきか。受け継いだ重荷をどうすべきか。卒業生の皆さん、答えはいたって簡単です。その答えは、答えは……分かりません(I Don’t Know) 大学の卒業式で総代スピーチを行うリレイナ(ウィノナ・ライダー)の姿から始まる『リアリティ・バイツ』(REALITY BITES/1994)は、学生から社会人へと変換しようとする「ジェネレーションX」の若者たちを描いた作品。俳優としても有名なベン・スティラーの初監督作品で、この映画にも旧世代の象徴として出演している。ウィノナ・ライダーは日本でも大人気だった。 物語は、TV局の契約社員になったリレイナのほかに、売れる見込みのないバンド活動を続けるトロイ(イーサン・ホーク)、ゲイであることを告白したサミー、GAP..

歌、ダンス、モノマネ、巧みなトーク、そしてトランペット、ドラム、ビブラフォンの演奏、映画やテレビでの演技など、様々な“芸”を極め「Mr.エンターテインメント」と称されたサミー・デイヴィスJr.。 1990年5月16日、彼は喉頭癌を患い64歳でこの世を去った。 そんな彼が40代からこの世を去るまでの約20年間、ステージで大切に歌った“一曲”がある。 その曲の名は『Mr.ボー・ジャングルス』。 ドサまわりをし、刑務所に入っていることも多く、ダンスのギャラとして酒と少しばかりのチップをねだる…歌いながらそんな老ダンサーの姿を演じてみせる彼のステージはまさに“至芸”と呼ぶにふさわしいものだった。 彼はこの曲を歌うときに、実在した伝説のタップダンサーの姿を重ねながら歌ったという。 その人物の名はビル・ロビンソン。 アメリカ最高のタップダンスの名人として名を馳せたビルは、1920年代から30年代にかけてボードヴィルショーや（アメリカ最初期の）黒人映画俳優として活躍した元祖エンターテイナーだった。 後に“タップの神様”と呼ばれたビルの誕生日（5月25日）は「National Tap Dance Day（タップダンスの日）」となっている。 彼はショーの一座で南部を回った ある日、涙しながら15年間の話をしてくれた 彼と愛犬がどんな旅をしてのか その犬が死んでしまって20年… 彼は哀しみ続けているんだ 彼は言った「俺は今どんな時でも機会があれば踊るぜ！」と 酔っ払い相手の安酒場で…はした金でも サミー・デイヴィスJr.の“十八番”として知られたこの歌、実は彼が歌うことを避けていた時期もあったのだという。 人気スターとして“落ちぶれた老ダンサー”を演じながら歌い踊っているうちは良いが、50歳を迎えた頃に体力的な衰えを感じるようになった彼は「今、自分が病気や事故にあって長いこと仕事を休むようになったなら、豪邸のローンなどでたちまち破産し、この老ダンサーのような境遇になってしまうだろう」という恐怖にとらわれていたというのだ。 そのため、しばらくは出来るだけこの曲を歌わずにすますようにしていたという。 逆に言えば、彼はそれほどこの曲に打ち込み、歌に出てくる老ダンサーと一体化するほど感情移入していたのかもしれない。 ボージャングルという男に会ったことがある ボロ靴で踊ってくれた 白髪まじ..

1983年2月4日、カレン・カーペンターは32歳でこの世を去った。 死因は摂食障害がもたらした心不全だった。 カーペンターズといえば、彼らが活躍した1970年代当時、ホワイトハウスやディズニーランドでの演奏を許された唯一のミュージシャンだった。 ビートルズのポール・マッカートニーは、彼女の歌声とカーペンターズの音楽についてこう賛美している。 「世界で最高の女声であり、旋律が美しく、豊かで、そして独特だ。」 20代前半で世界的な大スターとなった彼女。 地位も名誉も財産も手に入れながらも、なぜ彼女は摂食障害となり、遂には命まで落としてしまったのか？ 妹カレンの死後、兄のリチャード・カーペンターはこんなコメントを残している。 「あれから…自分では素晴らしいと思う曲ができることもあります。でも僕はそれを表現する声を永遠に失ってしまったんです。」 彼女の歌声と命を奪ったのは拒食症（神経性無食欲症）という病気だった。 それは常に“自分は太っている”と考えてしまうボディイメージの障害、食物摂取の不良または拒否、体重減少を特徴とするもので神経性食欲不振症、神経性食思不振症、思春期やせ症とも言われている精神の病である。 デビュー当初、普通よりほんの少しぽっちゃりしている程度だった彼女に対して、一部の音楽ファンが“デブの田舎者”などと心無い誹謗中傷をしたという。 彼女はその言葉を聞き流す事ができず、決して太っていたわけではないのに“もっと痩せればもっと愛されるようになるかもしれない”と考えるようになったという。 その後も輝かしい活躍の舞台裏で、常に人に見られる立場の職業である事、芸能界という世界でファッションモデルや女優と頻繁に会う機会があった事、音楽誌に“太っちょ”などと書かれた事などを過剰に気にするようになり、彼女はその病状を悪化させていくこととなる。 そんな中、1980年に彼女は30歳の時に不動産業のトム・バリス（39歳）と結婚をする。 しかしその結婚生活は惨憺たるもので、翌年の末にはすぐに別居してしまう。 夫の心ない言葉や態度によって彼女の病はますます悪化の一途を辿り…その痩せ細った身体と心はボロボロになり、グループの活動にも暗い影を落とすようになる。 1982年、彼女は拒食症の治療を受けるためニューヨークの著名な心理セラピストを訪ねる。 その年の11月には仕事に復帰..

1964年9月1日はニューヨークのシェイ・スタジアムで、史上初の日本人大リーガーが誕生した記念日である。 サンフランシスコ・ジャイアンツの「マッシー・ムラカミ」こと村上雅則は、南海ホークスの鶴岡一人の目に留まり、鶴岡から「ウチへ入ったらアメリカに行かせてやる」と口説かれて、高校野球の名門だった法政二高在学中に南海と契約を結んだ。 そしてプロ3年目の1964年の春に野球留学で、サンフランシスコ・ジャイアンツへ派遣された。 南海はベースボールの本場であるアメリカに選手やコーチを派遣する試みを、その前の年から始めていたのだ。 そして2年目となる野球留学の選手に選ばれたのが村上雅則投手、高橋博捕手、田中達彦内野手だった。 送り出す球団側はこの時、それほど大きな成果を見込んでいたわけではない。 というのも村上雅則がわずかに3ヶ月間、ルーキーだった二人は1年間の期限付き留学だったのである。 アメリカの選手たちと一緒にキャンプを過ごすことで、本場のマイナー・リーグを体験させたいという期待はあったにしても、将来に向けた施策の一つという程度の扱いだったようだ。 ところがスプリング・トレーニングに特別枠のゲスト扱いで参加した3人の中から、村上だけがジャイアンツ傘下の4軍、1Aのフレズノ・ジャイアンツに配属されることになった。 それからは留学期間の3ヶ月を過ぎても、村上はフレズノ・ジャイアンツで投げ続けて、8月の後半までに11勝7敗、防御率1.78の好成績をあげた。 その結果、1Aのカリフォルニア・リーグで新人王を獲得し、ベストナインにも選出された。 ことによるとメジャーへ昇格するかもしれない、そんな可能性があることを知ったのは、8月20日すぎのことだったという。 村上は常に辞書を離さずに英語を学ぼうとしていたので、その頃には少しずつだが会話を理解できるようになっていた。 ロッカールームで選手たちが何か話しているので輪のなかに入って聞いていると、成績の良い選手を9月1日からメジャーに昇格させて、実力を確かめてみるということが話題になっているとわかった。 　 そして監督から「君が選ばれたのですぐにニューヨークへ行くように」と命じられたのが8月29日のことで、翌日にはニューヨークまでの飛行機の切符を手渡された。 ジャッキー・ロビンソンがアフリカ系アメリカ人選手として初めて、メジャーリーグ..

ギタリストなら、特に80年代にヨーロッパで生き残ろうと思ったら、ハードロックをプレイするしかなかった。でも僕はそれを快適だと感じたことは一度もなかったよ。それはあの種の音楽が自分の原点ではなかったからだと思う。何もかも巨大でラウドなものの中で、他のミュージシャンにも親近感を抱けなかった。 「ゲイリー・ムーア」という名を聞いて、彼の音楽を耳にしたことのある人は何を思い浮かべるだろう？ 様々なバンドを渡り歩いた「さすらいのギタリスト」。シン・リジィでフィル・ライノットとプレイしていた「スーパー・ギタリスト」。1980年代のヘヴィメタル・ブームの中でマシンガンのように速弾きした「ギター・クレイジー」と言う人もいる。 あるいは、故郷の魂を忘れなかった「孤高のアイルランド人ギタリスト」。90年代から死の直前まで自らのルーツに対して真摯な姿勢を貫いた「ブルーズ・ギタリスト」。極めてヨーロッパ的なバラードで心の風景を響かせた「泣きのギタリスト」として伝える人もいるだろう。 ──そのどれもが間違いではない。すべてがゲイリー・ムーアなのだ。 人気絶頂の80年代に5回もの来日公演を行ったこともあり、日本ではどうしても「ハードロック・ギタリスト」のイメージが強かった人だが、90年代に突入すると、そんなゲイリーに運命の転機が訪れる。ブルーズへの回帰だ。 一人でいる時はいつもブルーズを弾いていた。ある晩、ボブ・デイズリーがやって来て言うんだ。「なあ、ゲイリー。次はブルーズ・アルバムを作るべきだよ。お前のキャリアで一番の成功を収める作品になるかもしれないぜ」。思わず笑い飛ばしたよ。彼も笑ってた。でも僕はその通りにやってみたんだ。彼は正しかったね。本当にそうなったんだから。 1969年。わずか17歳でスキッド・ロウのギタリストとしてプロデビューしたゲイリーは、ブルーズを愛する少年だった。北アイラルンドのベルファストで育った彼が聴き入っていたのはブリティッシュ・ブルース。特にジョン・メイオールのバンドに在籍したエリック・クラプトンやピーター・グリーンに夢中になった。 しかし、スキッド・ロウ、ゲイリー・ムーア・バンド、コロシアムⅡ、シン・リジィ、G-フォースといったバンドを渡り歩いた70年代や80年代の華やかなソロ活動では、愛する音楽から離れていく一方だった。 速弾きばかりじゃ、すぐに行き詰..